Archives de catégorie : Chronique

[CHRONIQUE] « Automata I » – Between The Buried And Me

Créé dans les années 2000 en Caroline du Sud, USA, les Between The Buried And Me peuvent se vanter d’une carrière plus écclectique, créative et risquée que ses compatriotes. « Automata I » ne fait pas exception à la règle. Première partie d’un album conceptuel, ce disque enthousiasmera autant qu’il divisera.

Il faut dire que Between The Buried And me s’éloigne des sentiers battus : les titres parfois très classiques (« Condemned To The Gallows »), certains assez catchy (« Millions »), d’autres à la complexité tout bonnement ahurissante (« Yellow Eyes »). En point d’orgue de cette galette, le morceau « Blot » qui la conclut, zigzaguant tellement vers toutes les directions, toutes les influences ! Elle est l’étirement mental du concept de Tommy Rodgers, celui de pouvoir voir les rêves des autres sur grand écran. Tout un programme, encore une fois fort, qui vient servir une musique passionnante et passionnée, qu’on découvrira et redécouvrira avec grand plaisir.

Le seul problème de « Automata I » est son goût inachevé. C’était le risque à prendre pour un album scindé en deux. Il n’y a aucune conclusion, « Blot » ne laissant que présager ce qu’il y a en plus derrière. Bref 35 minutes qui s’interrompent de manière assez abrupte. Une idée, marketing ou non, pas si bonne que ça.

« Automata I » est une galette à la fois dense et passionnante qui se différencie (mais c’est habituel chez Between The Buried And Me) des autres albums du groupe. Elle ne plaira pas à tout les fans ! Malgré le goût d’inachevé laissé par ce qui reste une première partie, il nous tarde de pouvoir jeter une oreille à « Automata II », prévu pour cet été.

8,5/10

220px-Automata_I

[CHRONIQUE] Yossi Sassi & The Oriental Rock Orchestra – Illusion Of Choice

Quatrième étape de son voyage musical, « Illusion Of Choice » est la nouvelle galette de Monsieur Yossi Sassi (oui oui c’est une marque de respect) et de sa troupe de musiciens nommée « The Oriental Rock Orchestra ». Un opus aux multiples facettes qui mérite amplement d’être découvert !

Que de chemin parcouru pour Yossi Sassi ! Depuis son départ d’Orphaned Land, groupe qu’il avait lui-même fondé, il a publié trois albums, tous acclamés par la critique, mais moins connus du grand public, en tout cas en France.
Il faut dire que Sassi s’est un brin éloigné de l’univers de son ancien groupe , n’en gardant, effectivement, que le côté oriental de la musique. A cela s’ajoute un côté plus progressif à la Dream Theater. Même si, rassurez-vous, les morceaux ne sont pas aussi longs que ces derniers !

Ainsi, chaque morceau de « Illusion Of Choice » sonne différemment. Chacun de ses titres comporte une particularité à saisir. Il faut plusieurs écoutes pour bien assimiler cet album : une production aux petits oignons, soulignant à la perfection chacun des instruments de musique, vous fera apprécier tous les petits détails de cette musique, cachés ou non, et ce, à chacune de vos écoutes.

Et il y en aura pour tous les goûts : de la complexe « Orient Echoes » (sans doute la meilleure de l’album selon moi, avec un superbe break bouzoukitara (hybride du bouzouki et de la guitare inventé par Sassi)/choeurs masculins) à l’envoûtante « Akrotiri » (certainement la plus orientale de l’album, qui vous fera voyager sans bouger de votre fauteuil) en passant par la plus catchy « Reveal » (qui laisse toute la place à Ross Jennings (Haken) de bien pousser de la voix). Yossi Sassi And The Oriental Rock Orchestra se sont mis à explorer d’autres horizons, parfois plus rock, parfois plus folk, en ne reniant en rien ses racines, son identité musicale.

« Illusion Of Choice » est un opus à multiples personnalités, mais gardant toujours son fil conducteur, l’oriental. C’est un album riche, à découvrir et redécouvrir. Un album qui saura résister au temps, aux modes éphémères. Indispensable.

9/10

27544920_1677105982356291_3905348318012555432_n
Yossi Sassi & The Oriental Rock Orchestra – Illusion Of Choice
Sortie le 04/04/2018
Autoproduction

« Reveal » feat Ross Jennings (Haken) :

« Maktoob » :

[CHRONIQUE] In Vain – Currents

Ce début d’année 2018 a été prolifique d’un point de vue sorties : entre les coups de coeur (Orphaned Land), les déceptions (Avatar) et les surprises, on aura eu de quoi faire, nous chroniqueurs ! In Vain fait partie des groupes attendus ! Surtout que ça faisait cinq ans qu’ils n’avaient rien produits ! Mais difficile de passer derrière un opus tel que « Aenigma » ! « Currents », leur nouveau bébé, se montre-t-il donc à la hauteur ?

Le début de l’album peut nous dérouter : « Seekers Of The Truth » a le début d’un morceau de Slayer et le refrain d’un titre d’Amon Amarth ! Cette introduction laisse place à des morceaux d’un raffinement rare comme sur « And Quiet Flows The Schelt ». Concernant ce morceau, l’utilisation du saxophone, décrié pourtant par bon nombre de mes collègues, reste pourtant anecdotique et y ajoute une petite touche d’originalité.

Encore une fois, un travail incroyable a été fait sur les voix ! Le morceau le plus parlant est « En Forgangen Tid (Times Of Yore Pt II) où on passe d’un grunt (plus grave et moins variant que d’habitude) à de véritables envolées lyriques dignes d’un opéra ! »Currents » trouve son équilibre entre un black metal progressif et du melodeath avec un brin de pagan metal. Avec des arrangements travaillés et des riffs particulièrement denses, les chansons sont phénoménalement épiques !

Les morceaux de « Currents » restent cependant plus accessibles que « Aenigma », sans doute une volonté de la part du groupe de toucher un autre public. Enfin quelques morceaux ne mériteraient pas leur place sur cet album, par une orchestration à coucher dehors et une redondance gavante (l’exécrable « Ghost Path »).

Malgré ce défaut, « Currents » n’en demeure pas moins un très bon cru des In Vain, qui vous régalera sans fin. A écouter !

8,5/10

in-vain-currents-6497

[CHRONIQUE] Orphaned Land – Unsung Prophets And Dead Messiahs

Chaque album d’Orphaned Land est un événement. Il faut dire que les parutions du groupe sont relativement rares – six opus studios au compteur depuis 1991. Il s’agit aussi de leur première production sans Yossi Sassi, membre fondateur du groupe parti s’exercer en solo en 2014. « Unsung Prophets & Dead Messiahs », sorti ce 28 janvier, était donc attendu au tournant par de nombreux fans mais aussi critiques. Mais qu’en est-il maintenant que la galette est sortie ?

L’album s’ouvre sur un titre colossal (dans tous les sens du terme puisque c’est le plus long, avec plus de huit minutes) intitulé « The Cave ». « We choose to live in this darkened cave, far, far away from the light » : le morceau est inspiré d’un texte de Platon, L’Allégorie de La Caverne, dans lequel des hommes enfermés dans une grotte préfèrent retourner vivre dans celle-ci dès que l’occasion d’en sortir se présente. Morceau plus progressif du groupe, et le meilleur grâce à son orchestration, l’omniprésence du bouzouki, l’alternance des parties gruntés et claires de Koi Farhi (chant). « The Cave » est une bonne introduction à l’album car il rassemble tout ce qui le compose.

Le reste de l’album découle tout seul et très facilement : « We Do Not Resist » et « Only The Dead Have Seen The End Of War » sont les plus surprennantes, la première étant un retour à quelque chose de plus violent, faisant penser à la période pré-« Mabool »(2004), la seconde, par la voix de son invité, Tomas Lindberg, donne un aspect inédit à la musique d’Orphaned Land, presque Cannibal Corpse par moment.

Ecclectisme est donc le maître mot de « Unsung Prophets And Dead Messiahs » : même si, concrètement, le groupe n’apporte rien d’original à leur musique, chacun des morceaux reste très différents des autres. Une variété plus que bienvenue, par rapport à un « All Is One » que j’avais trouvé bien terne de ce côté là.

Cet album d’Orphaned Land ne laissera personne indifférent, que ce soit par ses paroles, une nouvelle fois très fortes, ou par sa musique, qui nous plonge directement dans un autre univers. « Unsung Prophets And Dead Messiahs » est certes, moins accessible que « All Is One », mais plus grandiloquent, plus rentre-dedans, avec une orchestration à couper le souffle. Indispensable!

9,5/10

orphanedlandunsungcd-3

[CHRONIQUE] Molybaron – Album éponyme [Découverte de 2017]

Né fin 2014, Molybaron a pris son temps pour sortir son premier album, éponyme, en mars 2017. Un laps de temps qui peut surprendre. Mais cela n’entâche pas la qualité de l’album, étonnamment bon pour un premier jet !

Il faut dire que rien ne sonne comme Molybaron : à commencer par la voix assez particulière de Gary, leader irlandais d’un groupe à majorité français; une tessiture vocale originale, enrouée, grave et envoûtante. Elle fait, par moment, penser à celle de Daniel Gildenlöw (Pain Of Salvation). « Moly », le morceau phare de l’album, nous permet de constater toute l’étendue de son timbre vocal.

Les morceaux, musicalement, sont complexes et bien pensés : on notera les guitares de Gary et de Steven, au jeu à la fois puissant, brutal mais aussi mélodique.

Le groupe n’a rien à envier à toutes ces formations émergentes du rock progressif : pire encore, le groupe arrive avec une véritable identité sonore et visuelle, un fait rare pour un premier album. On retiendra « Let’s Die Together » emprunt d’une grande violence du côté des guitares et des paroles, prenantes, de Gary, et la douceur de « Mother », sublime titre acoustique qui clôt l’album. Des chansons qui représentent parfaitement les différentes facettes que peut avoir cet album.

Un petit titre se détache du lot : si « Dance (Addicted To The Disco) » est sombre, elle aussi, son ton musical tout droit sorti du film « Saturday Night Fever » en fait un morceau plus fun à écouter. Et qui dénote du reste de l’album.

On a donc affaire à un rock-metal progressif d’excellente qualité, avec une production aux petits oignons. Molybaron a frappé très fort avec cet album. On ne peut que vous inviter à vous le procurer de toute urgence !

9,5/10

téléchargement (9)

téléchargement (8)

[CHRONIQUE] Moonspell – 1755

Moonspell aime prendre des risques dernièrement : déjà avec la sortie de son « Extinct » en 2015, moins extrême et plus accessible, avec un Fernando Ribeiro presque exclusivement en voix claire. Puis avec son successeur, diamétralement opposé : plus sombre, plus brut, plus viscéral. « 1755 » est aussi conceptuel, puisqu’il traite d’une catastrophe, le tremblement de terre de Lisbonne (Portugal) de 1755 justement. Et il est entièrement chanté en portugais. C’est donc avec ces infos, qui sortent, il faut l’avouer, de l’ordinaire, que nous attaquons l’écoute de cet album.

Moonspell aime bien nous chambouler, puisque « 1755 » est bien plus sombre que son prédécesseur Extinct : à commencer par la voix de Fernando, beaucoup plus vicieuse, plus grave. La guitare de Ricardo se fait bien plus abrupte, moins mélodique.

Car c’est ce qui frappe en premier sur ce 1755 : ce retour à ce son primaire et violent des membres de Moonspell, laissant les parties mélodiques aux instruments classiques (violons …) et aux choeurs, intelligemment dispatchées dans tout les morceaux, ni trop dominantes, ni trop effacées. Cela leur donne une force à la fois destructrice et sublime.

Les poils se dressent, les cheveux tournent et la magie de Moonspell opère une nouvelle fois. Le son est lui d’une qualité irréprochable : tous les instruments s’entendent de manière parfaitement nette. Une production aux petits oignons, nécessaire pour un album de cette envergure.

Cet album, pourtant n’est pas facile d’accès : au niveau des paroles, nous sommes plus dans l’histoire contée, celle d’une catastrophe humaine, et non dans le message ou l’histoire onirique. Aucun des titres ne se détache des autres, il n’y a pas de morceaux « tubes » qui pourra mieux vendre l’album. On a la une galette qui se déguste du début à la fin, d’un seul bloc. Il nous faudra plusieurs écoutes avant de pouvoir bien l’assimiler. Il est de plus en plus rare de trouver un disque avec aucun morceau qui ne soit bon pour la poubelle, enfin, pour la touche « Suivant » de vos lecteurs…

Seul petit regret : le premier morceau du CD, « Em Nome Do Medo », qui est la reprise, plus orchestrale, du même titre présent sur « Alpha Noir ». Rien de bien méchant car le morceau est très réussi. Mais cette redite n’était selon moi pas nécessaire en début d’album. Il aurait mieux valu rentrer dans le vif du sujet tout de suite, et mettre ce morceau en toute fin du disque.

Moonspell nous offre donc l’un des plus grands disques de 2017 avec ce « 1755 ». Une production de qualité qui détient un parfait équilibre entre la force sauvage, brut et sombre des membres de Moonspell, et le côté plus posé des mélodies aux violons et des choeurs. « 1755 » se déguste, se découvre, dans son intégralité. Une musique qui irait parfaitement avec un film, ou illustrerait bien un roman. Juste somptueux.

9,8/10

moonspell1755cover

[CHRONIQUE] Ne Obliviscaris – Urn

Si Ne Obliviscaris commence tout juste à se faire un nom dans notre beau pays (la faute à un certain Motocultor), les australiens n’en sont pas à leur coup d’essai, loin de là, puisqu’il s’agit, déjà, de leur troisième album. Le groupe de metal extrême revient cette année avec un opus, tout neuf, « Urn ». Alors, verdict ?

Des morceaux longs, du violon à foison, une alternance entre choix clair et saturé … Les Ne Obliviscaris reprennent les mêmes ingrédients qui ont fait le succès de leur deux précédents opus. Néanmoins, « Urn » est beaucoup plus nuancé, plus ambitieux.

L’enchaînement des breaks avec des moments plus rythmés ne se font plus de manière fluide mais plutôt de manière assez cadencé, ce qui donne l’impression d’écouter plusieurs morceaux sur une même piste. A vrai dire, cela peut nous faire penser à une allégorie du voyage initiatique, avec ses hauts et ses bas. « Eyrie » est le cas d’école de l’album, tant il se diversifie, se réinvente, sur plus de dix minutes.

Les guitares de Blavet et de Klavins donne le ton et la mesure de chacun des morceaux, et les mènent à la baguette, tel un chef d’orchestre.

Le grunt de Xenoyr se fait beaucoup moins présente et laisse la place au chant clair de l’envoûtant Tim Charles . Les compos en deviennent littéralement plus lumineuse, plus positive, avec une omni-présence du violon sur tout les morceaux, au détriment, peut-être, de cette fameuse dualité qu’affichait Ne Obliviscaris jusque là.

Encore une fois, Les Ne Obliviscaris font un sans faute avec ce « Urn » qui installe un univers bien particulier dans lequel on laisse bien volontiers vagabonder notre esprit. Si le groupe a pris un micro-risque en déboussolant cet équilibre entre le chant clair, plus positif, et le grunt, plus sombre, les fans et écouteurs ne s’en retrouveront pas décontenancés. Pour les amateurs de bonne musique.

9,5/10

téléchargement (2)

[CHRONIQUE] Dreamcatcher – Blood On The Snow

Dreamcatcher aura attendu cinq ans avant de pondre un nouvel album, intitulé « Blood On The Snow ». Si le groupe a pris son temps, ce nouvel opus montre une certaine maturité. Le groupe s’est-il trouvé ?

Dreamcatcher est un groupe aux multiples facettes : il le montre dans « Blood In The Snow », leur nouvel album, qui traite de deux grands sujets dans des styles différents.

Ce n’est plus un secret, la culture amérindienne est un des sujets de prédilection de Dreamcatcher. Il occupe les trois premiers morceaux, qui constituent un véritable triptyque : le morceau titre donne d’ailleurs le ton en traitant du massacre de Wounded Knee, en 1890, où plus de 250 Indiens ont perdu la vie. Des petites incursions d’instruments traditionnels, comme le tambour indien au début du premier morceau, nous plonge dans cette ambiance spéciale.

Un autre triptyque compose l’album, portant sur les films horrifiques, plus particulièrement ceux de la HAMMER des années 1950 (Frankenstein …) Le titre « Dark Is My Soul » qui clôt cet univers, porte lui sur la série Supernatural. Et les afficionados de la série pourront très facilement se retrouver. Niveau musical, le groupe se porte moins sur le mystique, et un peu plus sur le thrash, notamment au niveau de la guitare, de la batterie et du chant de Chris.

21317879_10154825330161846_3374787428244192037_n

C’est donc quelque chose de varié que nous offre Dreamcatcher, tout en restant fidèle à son identité toute trouve. Si aucun morceau ne se démarque réellement des autres, l’ensemble est si différent qu’on ne s’ennuie pas un seul instant. Divertissant.

8/10

[CHRONIQUE] Septicflesh – Codex Omega

Figure de proue du metal hellénique, les SepticFlesh, forts de leur succès grandissant, reviennent avec un nouveau bébé, « Codex Omega », réutilisant la même recette que ses aînés.

La réputation de Septicflesh n’est plus à faire, depuis leur retour aux commandes en 2008 avec le devenu-culte « Communion ». Chacun de leurs opus est désormais attendu comme le messie noir.

« Codex Omega » n’échappe donc pas à cette règle. Le superbe artwork, encore signé Spiros  » Seth  » Antoniou, chanteur de la formation, nous a mis l’eau à la bouche pendant des mois. Les extraits, en revanche, nous ont parfois laissé de marbre (à l’image d’un « 3rd Testament » pas très folichon faut l’avouer). C’est donc avec excitation et une petite dose d’appréhension qu’on attaque cette galette.

Autant le dire tout de suite, on retrouve la même recette qui a fait le succès des prédécesseurs de « Codex Omega » : les montées en puissance progressives, le son de guitare épique, les petites introductions au piano qui vont bien … De ce côté là, les fans ne seront pas déroutés puisque certains morcaux sont tout à fait conventionnels; je dirai peut-être même un peu trop puisqu’après « Faceless Queen », un certain sentiment de lassitude s’installe. Ce sera mon seul reproche à l’album.

Fort heureusement, les autres tracks sont beaucoup plus intéressantes, comme « Portrait Of A Headless Man » avec son son de duduk (instrument à vent arménien), « Dante’s Inferno » avec son introduction à la guitare acoustique, rejointe rapidement par de puissants violons, de l’oud sur la sauvage « Martyr » et l’épique « Faceless Queen » … Ces instruments donnent une dimension plus orientale à la musique de Septicflesh, une petite originalité plus que bienvenue. « Dark Art » est très particulier, à la fois plus progressive et plus sombre, plus clair au niveau de la voix. Une des vraies petites pépites sur cet album.

Ces caractéristiques citées au-dessus font que ces tracks sont les plus prenant de tout l’album, voir même du dernier opus « Titan » (sorti en 2014). Des chansons qui valent pour moi, tout l’album.

Epique et violent, Septicflesh fait pratiquement un sans-faute avec ce « Codex Omega ». Malgré une petite lassitude qui peut s’installer à la fin de l’opus, l’ensemble reste assez puissant pour vous faire remuer les tifs, et est émaillé des coups de génie que sont, notamment, « Portrait Of A Headless Man » et « Dark Art ». Les fans seront rassasiés avec cette excellente galette, tout comme les newbies.

9/10

Septicflesh-Codex-Omega2-1024x1024

[CHRONIQUE] Leprous – Malina

Se perdre pour mieux se trouver. Telle serait la devise de ce « Malina », pondu par nos chers Leprous. Le groupe norvégien, qui monte en puissance depuis quelques années, a eu un seul mot d’ordre : surprendre. Ce qui a de quoi déstabiliser après le dernier bébé en date des norvégiens, « The Congregation », très axé metal progressif.

Leprous part avec « Melina » dans plusieurs directions, se jouent des différentes ambiances, que ce soit jazzy pour le bien nommé « Belleville », le plus progressif avec « Mirage », plus pop-rock avec le premier single « From The Flame », au slow de « Malina ». Avec pour seul réel dénominateur commun la voix reconnaissable entre mille de Einar Solberg. On est loin de « The Congregation », dernier opus en date du groupe, qui versait beaucoup plus dans le metal.

Le groupe envoie valser toutes les étiquettes (les critiques vont avoir du mal à mettre un nom sur leur musique) : on ressent de la spontanéité, un petit goût pour l’inattendu sans qu’il ne perde son identité au passage. On plonge, la tête la première, dans leur petit monde, dans leur petite bulle.

Semblant assez inaccessible d’un premier abord, le bloc constitué par « Malina » est dans un premier temps envoûtant (par le charme de Solberg) , puis prenant (par les compositions), et enfin addictif (on ne peut plus s’arrêter de l’écouter). C’est le gros point fort de cet opus : on ne s’ennuie absolument jamais, on est toujours surpris par des arrangements musicaux qui arrivent sans crier gare ou par la complexité des morceaux qui ferait pâlir de jalousie, parfois, un certain Opeth.

Le seul petit bémol que je reprocherai est que la production ne suit pas : le son est à des moments dégueulasses (notamment sur « Stuck ») à cause un mauvais mixage. C’est dommage, car un groupe de cette créativité, de cette trempe, mériterait les meilleurs gars au son du monde.

Leprous confirme donc son statut sur la scène progressive mondiale avec ce « Malina » qui ravira tous les fans de très bonne musique. Un must-have à se procurer en cette fin d’été.

9,5/10

téléchargement