Fort d’un dernier opus salué par la critique, les Beyond The Styx sortent « Sentence », opus teinté de rage et dont certains thèmes ont été influencés par notre politique actuelle. Emile, chanteur du groupe, a accepté de nous accorder quelques mots et de revenir sur cet opus furieux.

Metal-Actus : Après le gros succès de « Stiigma » en 2018, est-ce que cela a été évident de repartir sur la composition d’une nouvelle galette ? (en terme d’inventivité comme de pression autour de vous ?)

Emile (chant) : La pression, on se l’est mise tout seul pour sortir un truc à la hauteur de « Stiigma » . Mais pour nous cet album est le symbole d’un renouveau pour Beyond The Styx puisque Victor, qui assurait la guitare lead, nous a quitté. On s’est alors beaucoup posé la question de continuer à cinq ou de former un nouveau guitariste. On a donc opté pour cette deuxième solution, même si cela n’a pas été simple. David, notre nouveau guitariste, a énormément travaillé, s’est beaucoup impliqué, et c’est tout ce qu’on attendait de lui.

Pourquoi « Sentence » comme titre d’album ?

On voulait juste un mot, avec un double-sens à la fois en français et en anglais. « Sentence », c’est donc à la fois une punition et une phrase. Il fait écho, quelque part, à notre nom, et on trouve que c’est un terme particulièrement fort. Et on l’a trouvé à une heure du matin, pendant l’enregistrement. Ce n’était pas une décision unanime au départ!

L’artwork de l’album est assez sensationnel. Peux-tu nous présenter son créateur ? Et quelle est toute la symbolique de ce dessin ?

C’est un dessin d’Ammo, un illustrateur français expatrié en Belgique. Il avait déjà bossé sur la couverture de « Stiigma » donc c’est tout naturel qu’on se soit tourné vers lui pour « Sentence ». Et dès le deuxième essai, il a eu tout bon ! Le dessin représente une jeunesse en proie à ses propres démons. On a cet adolescent, non genré pour que tout le monde puisse s’y identifier, avec un Cerbère, le gardien des enfers, assez menaçant au-dessus de lui. D’ailleurs, l’immeuble derrière peut aussi représenter l’entrée des enfers. La Lune, enfin, rend apocalyptique la scène. C’est un visuel assez dystopique.

Autre chose avec beaucoup de symbolique, le fameux clip de « Overload ». Peux-tu nous en donner la signification ?

C’est une chanson sur le burn out, et la frontière entre la vie privée et la vie professionnelle. A cause du confinement, on ne pouvait rien projeter comme projet personnel, loisir … on avait que le travail. Le vase autour du personnage principal dans notre clip représente le brouillard dans lequel on se trouvait tous, mais aussi le climat qui régnait à ce moment-là.

« Collateral » a un message particulièrement fort. Tu peux nous en dire plus ?

Avec « Collateral », on voulait montrer à chacun qu’on pouvait laisser son empreinte dans le réel, à l’heure où la plupart des gens trouvent refuge dans le virtuel. C’est d’ailleurs à ça que fait allusion le terme de « Digital Church » : on devient tous, quelque part, des esclaves de la technologie, domestiqués consciemment tous les jours. Je vais peut-être passer pour le boomer de service avec ce que je vais sortir (rires), mais je trouve que la promotion des concerts avant était mieux, on avait plus de curieux dans la salle, c’était plus spontané ! Aujourd’hui, on est obligés de faire la promotion des concerts par Facebook !

Sur « New World Disorder », vous êtes en featuring avec Luis Ifer, du tout jeune groupe Teething. Comment est venu l’idée de cette collab ?

On a connu le groupe par le bouche à oreille, et comme on est aussi tourneurs, on les a fait jouer deux fois à Tours. Luis, c’est un gars humainement en or ! Alors quand on a écrit cette chanson, plutôt engagée, j’ai pensé à lui pour un featuring. Et il m’a tout de suite suivi.

Que peux-tu me dire sur « ESC XIX » qui est intéressante par une certaine opposition entre les guitares bourrines et cette ligne de basse qui apporte un petit moment funky ?

C’est également une chanson qui parle du confinement, sauf que celle-ci est plus optimiste, laisse entrevoir une porte de sortie.

Que peux-tu me dire sur « Scorch AD », en featuring avec Guillaume D. (qu’on entend principalement j’ai l’impression) et avec un solo de guitare digne d’Arch Enemy ?

Ce n’est pas qu’une impression (rires), la voix de Guillaume étant plus grave que la mienne, et prenant beaucoup plus de relief ! Je me suis dit que c’était un bon moyen de lui rendre hommage, alors qu’il s’est investit à fond dans la création de ce morceau. C’est une chanson qui parle de cet interminable incendie qui a eu lieu en Australie, en faisant un pont avec ce qu’il se passait aussi dans la forêt d’Amazonie.

Vous avez pas mal de dates de concerts à partir du mois de mars. Êtes vous confiants quant au maintien de celles-ci et surtout êtes-vous content de retrouver le public ?

Clairement oui. Après j’ai un goût amer, car pour moi, on nous a menti sur l’état des choses pendant des années, sacrifiant ainsi des corps entiers de métiers dédiés à la musique live. Maintenant que les restrictions s’allègent et se lèvent, je vais tenter de rester optimiste, malgré ma méfiance. On en saura plus sur la tournée en fin de semaine, puisque nous avons besoin de garanties.

Un dernier mot ?

N’oubliez pas la place de la culture dans notre société, et surtout soutenez-là ! Posez-vous les bonnes questions et ne vous demandez pas si vous devez y aller, mais où vous devez aller. Puis soyez libre ! La vie vaut plus que le gain et le capitalisme.